Die wahre Bedeutung afrikanischer Kunst: Warum wir unsere Kunstgeschichte neu schreiben sollten

Was für uns Afrikanische Kunst ist, wird in europäischen Breiten auf Ethnologie und Folklore reduziert, auf Masken hinter Glastüren und Skulpturen als „exotischeren“ Zimmerschmuck. Das is zu kurz gegriffen. Tatsächlich wurde die Entwicklung der westlichen Moderne seit der Wende zum 20. Jahrhundert von afrikanischer Kunst tiefgreifend mitbestimmt. Nur wird sie bis heute kaum als eigenständige Kunstgeschichte wahrgenommen. Schaut man die Zusammenhänge an, versteht man, warum das ein Fehler ist.

Wie afrikanische Formsprache den Kubismus erfand

Anfang des 20. Jahrhunderts waren avantgardistische Künstler auf der Suche nach neuen Ausdrucksformen. Was sie bei den ihnen aus afrikanischen Masken und Skulpturen entgegentrat, hat die Kunstgeschichte umgewälzt. Pablo Picasso gab selber zu, dass afrikanische Werke ihn bei der Ausführung von Les Demoiselles d’Avignon (1907) beeinflusst hätten, dem Gemälde, das als Ausgangspunkt des Kubismus gilt. Ähnliches berichten Georges Braque und Henri Matisse von Objekten, die europäische Händler und Kolonialoffiziere den Siedlerländern aus Westafrika mitgebracht hatten. Der Terminus, mit dem die westliche Kunstkritik diese Bildwerke zuerst bedachte, war „Primitivismus“. Ein Wort, das Herkunft abwertete und gleichzeitig das formale Potential der Werke bewunderte.

Diese Widersprüchlichkeit zieht sich bis heute durch den Diskurs: Wer sich für afrikanische Gegenwartskunst interessiert und über einen Kunst Onlineshop zu zeitgenössischen Künstlern Zugang sucht, stößt genau auf dieses Spannungsfeld zwischen globalem Markt und Fragen nach der Geschichte hinter den Bildern.

Dekolonisierung und die Neubewertung in Museen

Seit etwa 2010 gibt es eine breite Debatte über die Herkunft afrikanischer Kulturgüter in europäischen Sammlungen. Nach Schätzungen sollen sich rund 90 Prozent des materiellen Kulturerbes Afrika außerhalb des Kontinents befinden, vor allem in Frankreich, Deutschland, Großbritannien und Belgien.

Die Benin-Bronzen stehen exemplarisch für diesen Konflikt: Jahrhundertealte Reliefplatten und Skulpturen aus dem Königreich Benin (heutiges Nigeria), die britische Truppen 1897 plünderten und anschließend unter sich verteilten. Mehrere europäische Institutionen haben mittlerweile Rückgaben eingeleitet. Diese Diskussion ist keine Sache der Kulturpolitik mehr. Sie stellt in Frage, wie Museen Sammlungen kontextualisieren, welche Stimmen in Ausstellungen zu hören sind und wie Kunstgeschichte vermittelt wird. Afrikanische Kuratoren, Kunsthistorikerinnen und Künstler verlangen zunehmend Mitbestimmung darüber, wie ihre Kultur im westlichen Ausstellungsbetrieb repräsentiert wird. Die Documenta 15 (2022) war ein viel diskutiertes Beispiel, wie kuratorische Verantwortung auf kollektive, nicht-westliche Strukturen übertragen werden kann, mit polarisierenden, aber produktiven Ergebnissen.

Zeitgenössische Künstler zwischen globalem Markt und lokaler Identität

Afrikanische Gegenwartskunst ist keine homogene Kategorie. Der Kontinent umfasst 54 Staaten mit sehr unterschiedlichen Kunsttraditionen, sehr unterschiedlichen Kolonialgeschichten, Sprachen und visuellen Kulturen. Künstler wie El Anatsui aus Ghana, der großflächige Wandteppiche aus Kronkorken und Metallfolie webt, oder Njideka Akunyili Crosby aus Nigeria, deren Werke bei internationalen Auktionshäusern sechsstellige Summen einbringen – diese und viele andere stehen für eine Bandbreite, die sich auf kein einziges Narrativ reduzieren lässt.

Was viele dieser Positionen eint, ist die Auseinandersetzung mit Identität, Migration und dem Blick von außen. Motive, die im Westen schnell als „typisch afrikanisch“ abgestempelt werden, werden vom Künstler selbst gebrochen, verfremdet oder ironisiert. Das macht diese Kunst nicht einfach, manchmal sogar unbequem, aber nie beliebig.

Was beim Kauf und Sammeln afrikanischer Kunst wichtig ist

Wer sich mit afrikanischer Kunst beschäftigen will, tut gut daran, einige grundsätzliche Einordnungskriterien zu kennen. Die Biografie des Künstlers, das verwendete Material, die Auflage bei Drucken und die Frage, ob ein Werk in einem Galerie- oder Ausstellungskontext dokumentiert ist, gibt Auskunft über Qualität und Bedeutung. Originalgemälde, limitierte Drucke und Skulpturen unterscheiden sich nicht nur im Preis, sondern auch in ihrer Aussage als Sammlerstück.

Reproduzierbare Prints auf hochwertigem Archivpapier oder Metallträgern haben in den letzten Jahren einen eigenen Markt entwickelt, der den Zugang zu künstlerischen Positionen erleichtert. Wer ein Werk kauft, sollte im besten Fall wissen, welche Absicht hinter dem Motiv steckt, was die Technik über den Entstehungsprozess verrät und wie der Künstler international rezipiert wird. Diese Fragen zu stellen, ist der Unterschied zwischen Dekoration und echter Auseinandersetzung mit Kunst.

Autoren Profil

Andreas Heinemann: Andreas Heinemann arbeitet als Redakteur mit den Schwerpunkten Business, Handwerk und Reisen. Als Quereinsteiger bringt er vor allem einen praxisnahen Blick auf viele Themen mit und legt Wert darauf, Inhalte verständlich und alltagsnah aufzubereiten. Besonders interessieren ihn Entwicklungen aus der Arbeitswelt, mittelständische Unternehmen, praktische Lösungen im Handwerksbereich sowie Reiseziele und Trends abseits klassischer Touristenrouten.

Vor seiner Tätigkeit im Online-Redaktionsbereich war Andreas Heinemann mehrere Jahre in unterschiedlichen kaufmännischen und organisatorischen Bereichen tätig. Dadurch kennt er viele Themen nicht nur aus der Theorie, sondern auch aus dem beruflichen Alltag. Heute schreibt er vor allem über Themen, die Menschen direkt betreffen – von beruflichen Veränderungen über praktische Tipps bis hin zu interessanten Entwicklungen aus Wirtschaft, Alltag und Reisen.